OSCyL, Thierry Fischer.
13 y 14 de Abril de 2023
La Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvorak: Según cuenta la leyenda, el sonido de la música que anunció un nuevo amanecer para la música estadounidense, el producto de la afirmación del propio compositor, que residía entonces en Nueva York, «en las melodías negras de América descubro todo lo que es necesario para una gran y noble escuela musical”.
Esta sinfonía en mi menor fue la primera que Dvořák completó durante los dos años y medio de su estancia en los Estados Unidos. Lo había traído un rico mecenas de las artes para crear un conservatorio de música, el precursor de la actual Juilliard School. Y el hecho de que Dvořák fue influenciado por los espirituales y las canciones que escuchó a uno de sus alumnos más importantes, Harry T. Burleigh, no está en duda. Pero al margen de una fuerte alusión a Swing Low, Sweet Chariot en la segunda melodía principal del primer movimiento [5:19]
es sorprendente que no se atendiera adecuadamente la nítida declaración de Dvořák al New York Herald el día del estreno de la sinfonía, en el Carnegie Hall con la Filarmónica de Nueva York el 16 de diciembre de 1893: “Es solo el espíritu de las melodías negras e indias lo que he tratado de reproducir en mi nueva sinfonía. En realidad, no he usado ninguna de sus melodías”. Más tarde, en 1900, dijo en una carta: “Olvida esa tontería de que uso motivos indios y americanos, ¡es mentira!”. Y de nuevo, «Mi intención fue escribir sólo en el espíritu de esas melodías nacionales americanas». Esa «mentira» llegó tan lejos como para imaginar que la conmovedora melodía del corno inglés en el movimiento lento [0:52] (que puede provocar asociaciones de muy diferentes tipos en la memoria popular)
era en sí misma una auténtica “melodía estadounidense”; de hecho, las palabras “Goin’ Home” fueron agregadas a la melodía años después por otro de los alumnos de Dvořák.
Entonces, ¿cuántas de estas melodías estadounidenses había escuchado en realidad Dvořák? Sus únicos posibles encuentros con melodías indias antes de escribir la sinfonía en mi menor, en realidad se habrían producido en Praga en 1879, cuando un grupo de indios iroqueses llegaron para mostrar a los checos sus bailes, canciones y habilidades guerreras ecuestres, y es probable que Dvořák viera anotaciones de las melodías que cantaban hechas por un amigo suyo. Por lo demás, tal vez podría haber visto el Wild West Show de Buffalo Bill en Nueva York, pero eso es todo.
La sinfonía también se entiende a menudo como una evocación de los espacios abiertos de Estados Unidos anterior a Copland, pero Dvořák solo viajó por primera vez fuera de la metrópolis hasta las inmensidades del interior de Estados Unidos tras haber completado la obra (aunque agregó el título, “Del Nuevo Mundo”, cuando se hacían las copias de la sinfonía mientras estaba de vacaciones en Spillville, Iowa, con su gran comunidad de inmigrantes checos, donde compuso el Cuarteto de cuerdas “americano” y su Quinteto de cuerdas en mi bemol mayor).
Así pues, ¿significa eso que todas las conexiones supuestamente directas entre la sinfonía de Dvořák y la identidad estadounidense son en su mayoría ficción, el resultado de que los críticos y el público escuchen lo que quieren escuchar en una nueva composición musical, en lugar de lo que realmente es?
En cierto sentido, sí, pero existe una conexión más profunda entre las melodías de la obra y una comunidad más amplia de melodías populares, melodías que provienen de formas celtas, europeas e indígenas americanas. Al absorber «el espíritu» de los espirituales y las melodías que realmente escuchó, a Harry T. Burleigh y a otros, Dvořák creó melodías capaces de resonar con cualquier tradición popular que use la escala pentatónica, o que emplee la séptima bemol como nota principal de la escala, como hacen la mayoría de las escalas de jazz; razones técnicas por las que la Sinfonía del Nuevo Mundo puede legítimamente ser escuchada como la evocación de un cierto tipo de alteridad musical, de voces y “espíritus” ajenos a las convenciones de la sinfonía europea de finales del siglo XIX.
Y eso es exactamente lo que es esta obra. Es una sinfonía del romanticismo tardío europeo, pero que fue compuesta e influida por la experiencia de Dvořák en los EE. UU. Algunos críticos ya se dieron cuenta de eso entonces: Cuando se preguntó al compositor Victor Herbert si pensaba que la pieza catalizaría una nueva escuela estadounidense de composición, respondió: “Sí, si los compositores son el Dr. Dvorak». Lo cual no aseguraba un futuro próspero para la música “estadounidense. En el brillante final, Dvořák combina a la perfección melodías del movimiento lento, del scherzo y de ese final, desplegando los principios que conocía de Beethoven, Brahms y Schumann.
Pero además de las formas tradicionales de escuchar la novena de Dvořák, sea como una evocación de los Estados Unidos o como un triunfo del romanticismo tardío de ciclos e integración temática, también hay otras. La música juega con la memoria, tanto en la forma en que las melodías del primer movimiento reaparecen en los siguientes, como también con una idea más amplia de reminiscencia, nostalgia y de algo más profundo. Ese movimiento lento (que comienza con unos sublimes y surrealistas acordes de los metales, música que regresa con poder visionario, en un contexto dramático completamente diferente cerca del final del final [9:20])… no es tan sencillo como unas melodías inolvidables y una serie de episodios rústicos contrastados. A mí, esa música me suena cada vez más a un lamento, a un quejido.
Si Dvořák realmente estaba recordando la voz de Harry T. Burleigh – el corno inglés era un análogo musical más cercano a la voz humana que el clarinete que Dvořák planeó originalmente para tocar la melodía – entonces la música es una muestra de los espirituales que le escuchó cantar, con sus propios reflejos de una esperanza adquirida a través de terribles adversidades; también podría ser un tributo a la patria lejana de Dvořák, o incluso a las tierras de los indios americanos que Dvořák sabía que les habían sido arrebatadas. Hoy, precisamente por su inmediato poder evocador, pienso que la melodía es el emblema de una inocencia pastoral perdida que se convierte en un sueño cada vez más imposible. Siento la misma ambivalencia al final de la sinfonía [10:22], cuando la música pasa de una versión en clave menor épicamente ralentizada de la melodía principal del final a un estallido de gloria en clave mayor: de alguna manera es ese abismo de oscuridad, antes del amanecer, lo que parece rondar mi memoria después de que la sinfonía haya terminado.
Tom Service. The Guardian.
(*) Notas de la temporada 2014-15
Conciertos en el Auditorio Miguel Delibes 